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匠心系列 | 三宅一生(Issey Miyake):服装的冒险家

| | | | 2017-7-13 14:32

三宅一生最为大众所熟知的设计,是在2012年推出的一款手提包(Bao Bao Line),这款包的最初灵感来自于积木,可平面可立体,也可任意扭曲。它引发了全世界的追捧和街头潮流,在日本境内一上架就会售空。

“若是看到与我的设计有类同的东西,那么不管任何人说它好,我也不要了……”——三宅一生

三宅一生最为大众所熟知的设计,是在2012年推出的一款手提包(Bao Bao Line),这款包的最初灵感来自于积木,可平面可立体,也可任意扭曲。它引发了全世界的追捧和街头潮流,在日本境内一上架就会售空。

这款包之所以获得不管是对设计深有造诣亦或是对设计一概不知的人的青睐,都源于三宅一生的“褶皱”设计理念。除了“褶皱”设计,这位被设计师同行们称为魔术师的人,有着创造无限服装变化可能的魔力,他是一位真正意义上的服装的冒险家!

结构上的“冒险”

“一块布”是三宅一生设计理念的根本,起源于1970年代那块名为“piece of cloth"的,插入了袖子的棉纱亚麻布。做为设计的起点他说现在他仍旧会经常回到那个点上,因为那是衣服永恒不变的源代码。

▲Piece of Cloth_1975

▲Issey Miyake_Cocoon Coat, 1976

“一块布”有过很多不同的形式,但最为根本的特征便是没有服装自身结构。在造型上,他开创了服装设计上的解构主义设计风格。借鉴东方制衣技术以及包裹缠绕的立体裁剪技术,在结构上任意挥洒,任马由缰,释放出无拘无束的创造力激情,往往令观者为之瞠目惊叹。

乔布斯喜欢三宅一生设计的黑色高领衫,三宅一生于是给他做了100件。同是 “极简主义” 的领军人物,想必是因为 “英雄所见略同”,所以乔布斯喜欢上了三宅一生的 “一块布”。

他的时装一直以无结构模式进行设计,摆脱了西方传统的造型模式,而以深向的反思维进行创意,掰开、揉碎、再组合,形成惊人奇突的构造,同时又具有宽泛、雍容的内涵。这是一种基于东方制衣枝术的创新模式,反映了日本式的关于自然和人生温和文流的哲学。他的作品看似无形,却疏而不散。正是这种玄奥的东方文化的抒发,赋予了作品以神奇魅力。

▲Issey Miyake, Staircase Dress(梯裙), 1995秋冬季

▲Issey Miyake, Dress

▲Issey Miyake, Staircase Dress

▲Issey Miyake, Dress

功能上的“冒险”

三宅一生的创新关键在于对整个西方设计思想的冲击与突破。欧洲服装设计的传统向来强调感官刺激,追求夸张的人体线条,丰胸束腰凸臀,不注重服装的功能性。不同于西方将服装做为美化身体的附属品,三宅一生一直强调服装与身体之间的关系。

三宅一生另辟蹊径,重新寻找时装生命力的源头,从东方服饰文化与哲学观照中探求全新的服装功能、装饰与形式之美。

他设计出了前所未有的新观念服装,即蔑视传统、舒畅飘逸、尊重穿着者的个性、使身体得到了最大自由的服装。他的独创性已远远超出了时代的和时装的界限,显示了他对时代不同凡响的理解。

材料上的“冒险”

在服装材料的运用上,三宅一生也改变了高级时装及成衣一向平整光洁的定式,以各种各样的材料,如日本宣纸、白棉布、针织棉布、亚麻等,创造出各种肌理效果。 

对于他来说,没有任何服装上的禁忌。他使用任何可能与不可能的材料来织造布料,他是一位服装的冒险家,不断完善着自己前卫、大胆的设计形象。

如果说服装的细节能够说明一个服装设计师的特点,那么,提到褶皱,就没有人能够忽略三宅一生。从1989年他的有褶皱的衣服正式推出与顾客见面的时候起,三宅一生的名字和他衣服上的褶就连在一起了。

▲Minaret, lantern-shaped dress(塔式,灯笼裙)

▲纸灯笼一般的塔式裙体穿着完全立体,而散在地上又是完美的平面化。

三宅一生被设计师同行们称为魔术师,他利用数学几何计算的方法,跟计算机工作室合作,把衣服像三明治一样放入热压机处理。和以前的衣服不同的是,这些褶皱会永久保存,成为有“记忆”的布料,永远不会回到之前的模样。

▲Issey Miyake, Flying Saucer Dress(飞行茶盘裙)

▲Issey Miyake, Pantsuit from the Pleated Wave Series

他的衣服摆脱了整整齐齐一板一眼的大小版式,最大限度突破了尺寸限制,它们可以随意卷成一团,无需熨烫,由机器压制出的永久褶皱,上身之后立即营造立体线条,由身体撑出衣服最完美的结构。就连它的晚装都可以水洗,可以随便折叠,可以随便揉成一团塞进旅行箱里。

Issey Miyake2014 秋冬系列,模特动作轻柔端庄地将衣物平铺再缓缓拎起,仿若展示珍宝,观众也随之眼前一亮,如同拆开满是惊喜的礼盒。整个过程带着日式的恭敬肃穆,谦和而不低微,自持而矜贵,而衣物本身也随着褶皱的延伸从无到有。 

有些人认为三宅一生是艺术家,有些人认为他是远见者;但不管用怎样的称谓,从本质上讲,三宅一生更是“设计师的设计师”。在四十余年的时装设计生涯里,他在服装结构、功能、材料上进行“冒险”并取得了成功,不仅联接着与他自己相似的世界各地的个体,更丰富了当代视觉和略带诙谐的时尚主题!

机器无心,而手与心相连。用双手制作的器物始于尘埃,始于与材料本身的交往,这是心之作业。

名款背后是无尽的复制。而木制的漏斗,土烧的陶罐,竹做的簸箕,貌似喧嚣实则不然的花纹壶,看似没有风格,却也不会染上自大之罪。

庞大的机械以节约时间为傲,人类的手确是更为自由的机械。计算成本劣于人手缝成的一针一线,人的智慧又敌不过自然,即使再怎么根据学识做成的染料,也不如植物所染的流动般的种种蓝。

正如日本民艺馆的创始人柳宗悦所说:无论这个世界有着怎样的美,“正常之美”才是最终的美。有朝一日,所有的美都会以此为目标回归正常。

三宅一生:设计的DNA

许多国外友人经常问我:“要看日本风格的美和设计上哪儿去比较好?”他们指的并非日光、京都的著名寺庙这样的世界文化遗产;也不是光琳、广重等人的名作,而是那些更接近我们的生活的种类:桌椅、家具、厨房用具和服装等。

其实,只有这些物品中才蕴含着长期积淀的美和设计的本质,从国外来访的他们,已经了解了这个国家拥有优秀的设计传统。能推荐给这些对美格外敏感的人去参观的,我首先想到的便是日本民艺馆。这里的气氛安详,是一个能触摸并思考日本设计的地方。

看到战后日本急速的美国化,野口勇(Isamu Noguchi)曾叹息说:“唯有日本人不向日本学习。”比之更早关注到这点的是战前来日的法国人夏洛特·佩里安(Charlotte Perriand)。众所周知,她经常造访民艺馆,同时关注日本无名艺人传承下来的技法,并在自己的作品中加以运用。有趣的是,在她留日的两年间,为她担任导游、介绍各地工艺品和技术的正是年轻的柳宗理。

日本民艺馆存在的重大意义或许在于,提醒日本人更加重视自己生活中蕴含的设计传统及其精神。无名人士设计的东西,比一些名人的作品更加长久地存在于世,无数的证据就陈列在有趣、令人愉悦的日本民艺馆。这是一座规模不大,但给人巨大力量、拥有巨大心脏的生活博物馆。当今的日本虽然没有一座真正意义上的设计博物馆,但或许可以说这座日本民艺馆是唯一的例外

此外,我对民艺馆的创始人柳宗悦的一个观点颇有同感——更重要的是为新的创作做准备,相比过去而言,与未来的联系更为重要。无名设计的遗传基因连接着过去与未来。我以为,来到日本的外国人能够看到而我们日本人自己却看不到的东西,或许正是我们习惯称之为“传统”的“设计的DNA”。而将这种DNA浓墨重彩地继承、倡导无名设计并引领世界产品设计潮流的正是前馆长柳宗理,他的存在具有很大意义。我希望今后的民艺馆面向新的时代,一边积极吸收现代和未来的作品,一边在各个方面都取得进一步发展。并强烈祝愿其能跳出“民艺”的框框,来一场大冒险!

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